El análisis de la imágen fotográfica

Congreso de Teoría y técnica de los medios audiovisuales.

La realidad como género Artístico; el retrato fotográfico

Riánsares Lozano de la Pola
Universidad de Valencia.


El texto es un cuestionamiento que se hace el propio autor acerca del "retrato" como género artístico. Pues, Riánsare, tiene la sensación de que ciertos trabajos de este género, no encajan con la sensación que el tiene de este tipo de fotografías...
Se cuestiona la posibilidad de la representación fotográfica (especialmente la representación humana de retratos y autoretratos) al margen del discurso normativo (artístico y social) y su conformación histórica.

El sujeto en cuanto tal no puede escapar de las normas hegemónicas que conforman la obligatoria repetición, regulada al margen de la acción de individuos concretos, puesto que, estamos convencidos de la inexistencia de un sujeto prediscursivo como realidad antológica anterior a la propia realidad construida.

Hacemos una síntesis de algunas ideas del texto, diremos que: si la combinación de nociones "sujeto" y "libre voluntad" constituyten parte del engaño social, y si hemos decidido tratar la " realidad" como otro género más, con sus convenciones fijadas y por tanto su alarma a la vez que activada ante el acecho de inadecuaciones "corruptas", parece que, entonces, la idea del referente fotográfico debe sufrir una mutación conceptual lo cual nos llevará a relantearnos la noción misma de retrato fotográfico. Nociones como las de "parecido", "parentesco", "identificación"... aparecerán ligadas a esta proposicin (de cambio conceptual)
"Real" es simplemente aquello que el público "cree posible"

Queda claro que éste tipo de imágenes (el retrato como género artístico) debe ir más allá de la contemplación estética, exigiendo forzosamente, un consumo político. esto implicaría la existencia previa de un espacio ideológico que posibilitara la "conciencia política relevante"

Lo que en principio había comenzado como cuestionamiento de la fotografía en su definición más ortodoxa, se ha acabado por convertir en unb cuestionamiento de verdades extrafotográficas porque si de algo estamos convencidos es que el gran engaño del siglo XX no ha sido la práctica fotográfica como han argumentado algunos autores, el gran engaño todavía hoy aparece enmascarado y continúa inventando absurdos culpables. El gran engaño es la propia realidad, nuestra propia realidad; La esperanza: saver que podemos vivir (retratarnos) fuera de ella.

El análisis de la imagen fotogáfica

Tendencias de la fotografía publicitaria conyemporánea: grandes marcas, grandes conceptos.

Jorge Lens Leiva
Universidad de Vigo.

Jorge Lens nos habla de la evolución de una de las prácticas más habituales de la fotografía, su utilización documental, tan aprovechada por los anunciantes.

La fotografía es un vehículo inmejorable para expandir el producto y sus funciones, para certificar la naturaleza de sus productos... pero la forma en que estos se publicitan ha ido cambiando a lo largo de los años.

El planteamiento primario era una imagen publicitaria simplona y encorsetada cuyo valor era describir los objetos fotografiados y certificar su existencia real. Han sido necesarios varios años para pasar del interés dennotativo al connotativo, el reultado ha sido una imagen evoadora, sugerente... esta nueva fotografía persuasiva no entiendo de técnica sino de concepto.

El universo publicitario destaca por su capacidad de captar las manifestaciones más novedosas del panorama artísitco o audiovisual. Como explica el texto, la publicidad se ha convertido en una gran esponja que absorbe de la sociedad todo aquelo que le interesa, la cretaividad publicitarioa no se puede desligar de las corrientes artísticas contemporáneas. El mundo de la publicidad y de la creación, discurren por territorios estilisticas semejantes.

Actualmente las marcas contemplan las incursiones artísticas como un gran éxito, es decir, el ver sus logotipos utilizados por fotógrafos, pintores escultores... y expuestos en famosas galerias de arte.
Puede ocurrir lo contrario, autores como Jordi Lavanda o Alberto Corazón, han pasado del territorio meramente comercial a exponer sus piezas en afamados centros de arte.

El autor establece cuatro grandes etapas en la fotografía publicitaria:
- Asimilación con la realidad; la estética de lo doméstico
Estamos en una época (los ochenta) en la que destacaba el gusto por representar la relidad tal cual era, sin adornos ni artificios.
De ambientes refinados y modelos estupendas, pasamos a un ambiente más cercano, las imágenes representaban la vida real, sin maquillaje, y con sus imperfecciones.
Se produce una rápida indentificación del producto por sus potenciales consumidores

- Teatralización y parodia; la fotografía construida
Aquí se trata de fotogafías costruidas, preparadas, imágenes de estudio técnicamente impecables. sin importar, o incluso exagerando, el artificio. Se altera drásticamente su carta de naturalza
Se opta a veces por la parodia, imitando burl´scamente estéticas ya pasadas... en buena parte de los casos las fotografías no incluyen imágenes del producto anunciado. o este aparece fotografiado aparte, ocupando un pequeño espacio dle anuncio.

- Del fotometraje al photoshop; Hipérboles, metáfotas y surrealismos
La manipulación de la foto original es la clave para entender el concepto general de la campaña y para relacionar la imagen publicitaria con el mensaje que se desea transmitir.
Se enfatiza irónicamente algún elemento de la fotogrfía generando así un efecto sorpresa, una metáfora visual.

- La ruptura de los límites: fragmentación del plano y polivalencia de significados
en líneas generales es un "todo vale" llevado al terreno de la persuación, se busca conseguir impactar al consumidor, se abandona por completo la capacidad documental de la fotografia, es una liberación de la realidad... sin necesidad de referente la fotografía puede transitar por nueos senderos con el único límite de la imaginación, codificando nuevos significados que la publicidad asimilaría para su beneficio.

Fotos por encargo

Foto a Ciegas - Rita Päväläinen

Apariencias: Importancia de una idea

¿Fin del arte o fusión de lo diferente?

¿fin del arte o fusión de lo diferente?

El arte en la frontera de la posmodernidad.

Durante el siglo XX y a lo largo de muchas décadas, se habló de la muerte y el fin del arte, pero no debemos austarnos, pues nadie cree que el arte haya muerto, sino que su supervivenia se eniende tras incluir otros medios que no son solamente los captados por el sentido de la vista.

Arthur Danto, dice que el arte ha sufrido varias etapas, ahora nos encontramos en la etapa posthistórica, en la que todo ale pero tienen que ayudarnos a entender el arte, porque esa afirmación de que todo puede ser, replantea la esencia del arte desde su posible existencia. Nos encontramos en un momento de profundo pluralismo y tolerancia.

El texto de Mª del mar Lozano Bartolozzi, comienza así, con una introducción al momento por el que está atravesando el "arte" actualmente.

En el segundo punto abarca algunos antecedentes del fin del arte, y la fusión de lo diferente. Como en los años 60, cuando los artistas conceptuales y fluxistas volvieron a la afirmación vida igual a arte, y lo hicieron a través de acciones vitales, performances y happening, de collages y dé-coll/ages...

En la ultimas décadas el arte como puro ejercicio de abstracción o de representación ha sido denostado, atacado, por los críticos, los filósofos.. . pero tras la provocación ha renacido de sus propias cenizas con nuevos estigmas y condición postmoderna, y hoy la mirada hacia la hisória del arte y sus ancestros funciona con transversalidad y mestizajes.

La abundancia de instalaciones, deben ser entendidas como obras que se interconectan con el contexto o escenario que las rodea, adquieren así un carácter simbólico por ser el lugar donde el artista pasa un tiempo, impregnándolo, culturizándolo, interactuándolo...

Con las instalaciones se expanden las nuevas estratagias de comunicación, los contactos entre el artista y el espectador.

El texto tambíen nos habla de los espacios alternativos, como son los murales callejeros o los artistas de graffitis, los anuncios y su reutilización conceptual.

Al espectador se le exige una postura activa, la exposición es una puesta en escena, y su significado cada vez está más ligado a un entorno y a un contexto.

Temas cada vez más frecuentes y utilizados en el arte son la identidad y el análisis de la huella de uno mismo, además de temas como la violencia, el dolor, las minorías indígenas, la emigración, los homosexuales, el arte de género...

También los nuevos medios y los artistas nos incluyen en espacions manipulados que nos desorientan , estamos en la época de los "no lugares", de la falta de referencias, la desubicación...

vuelve a resurgirnos la pregunta " ¿que es el arte?, quizás la solución está en la relación del arte con la sociedad, hoy tan mediatizada por circunstancias como el precio, que no el valor. Pero en el espectador cunde el desánimo ante lo que considera antiartístico por estar carente de emoción o de despertar cierta admiración.

El arte no ha muerto, pero icluye interpretaciones y multiples equivocaciones...

Es la estética de la deconstrucción, del fragmento, del collage sonoro, fotográfico, videos grabados, una estética de contradicciones y juegos de lenguajes que se yuxtaponen entre imagen y sonido.

La autora termina el texto afirmando que el arte de la posthistoria es un arte intermedio, híbrido y lleno de propuestas de mestizajes. Es un arte para mirar sin corsés, para pensar, para asumir o rechazar.. y debemos esperar, pues los artistas forman el terreno de una frontera que en gran parte es aún desconocida.

Particularmente tengo que reconocer que siempre he dicho de este nuevo arte que es una basura, que es feo y carente de importancia, todo lo que me parecía facil de hacer, me parecía ridículo, y esto no me ha pasado solo con la pintura, sino anteriormente con la música, cuando autores como Murray Schaffer utilizaban cacerrolas y demás cacharros en sus obras musicales, pero poco a poco voy entendiendo que no todo es tan radical como me parecía, que son nuevos sonidos, nuevos colores, matices, intenciones... se debe innovar y explorar, no debemos estancarnos en aquello que nos gusta pero que ya está creado, llegaría un momento en el que nos aburriríamos de siempre lo mismo. Surgen nuevos temas y nuevas formas de interpretarlos, y cuesta entenderlo, al principio cuesta muuucho ententerlo, pero poco a poco y gracias a los que saben y a los que nos explican el sentido de lo que crean, se llegan a valorar cosas que antes no hubiermos valorado, al menos eso es lo que a mi me pasa con algunas obras, otras... aún no las he reconocido o valorado, pero estoy segura de que es un camino que tengo que recorrer. El arte no parece tener fronteras, y para llegar a esas fronteras hay que caminar un buen rato, pero pasito a pasito... se llega lejos.

Erwin Olaf - Narrativa basada en "Annoyed"

¡Las dos de la mañana y sigo despierta! Los vecinos de al lado han puesto la música alta, estarán dando una fiesta, y yo aún despierta, no puedo dormir, ¡no me dejan dormir! ¡No es justo!

Decido salir al rellano para llamar a su puerta, el ruido no me deja dormir, aunque una vez allí, pienso que tienen derecho a divertirse, y me detengo justo antes de llamar, ¿quién habrá detrás de esa puerta? Cuando ya estoy decidida, la música deja de oírse...
Entro en casa, pero... la música vuelve a escucharse y a retumbar en las paredes de mi salón, no me dejan dormir, así que decido ir de nuevo a su puerta y llamar, pero cuando estoy allí... la música vuelve a pararse. Entro de nuevo a casa, y no ha pasado ni un minuto cuando la música vuelve a escucharse. ¿Estarán así mucho tiempo? ¡No aguanto más! Esta vez sí que llamo. Salgo al rellano, decidida. Estoy frente a la puerta, y... llamo, me abre un chico, tiene más o menos mi edad, y una bonita barba de tres días, además de unos dientes blancos que puedo ver tras su sonrisa...

-¿Puedo pasar?
-¡Claro! Todos son bienvenidos.